PETITE MAMAN, Céline Sciamma

 

PETITE MAMAN

Céline Sciamma

Drama/Realismo mágico

2021

 

 

SINOPSIS:

Nelly tiene 8 años y acaba de perder a su abuela. Mientras ayuda a sus padres a vaciar la casa en la que su madre creció, explora intrigada el bosque que la rodea, donde su mamá solía jugar de pequeña. Allí Nelly conoce a otra niña de su edad, y la inmediata conexión entre ambas da paso a una preciosa amistad.

 

 

OPINIÓN PERSONAL:

Hay algo que siempre que se llega a producir me sorprende y me hace recobrar con mucha ilusión en la magia del cine, y es cuando este no te ofrece un mero entretenimiento o un visionado constructivo, sino que se convierte en una experiencia donde lo que el espectador está viendo le conecta consigo mismo y su experiencia vital.

Una magia que Céline Sciamma, la directora de la maravillosa Retrato de una mujer en llamas, consigue y de la manera más elegante y emotiva posible.

Lo primero que llama la atención, especialmente teniendo en cuenta la duración media de las películas en la actualidad, es que la directora nos relata su historia en apenas 72 minutos. Es consciente de qué quiere contar y como debe hacerlo sin extenderse más allá de lo estrictamente necesario. Y es así como debería ser sin plegarse a ningún tipo de convencionalismo.

 

La sensación que he tenido mientras visionaba la película, es que pasábamos de un drama sobre la pérdida y el dolor de la despedida a un cuento cargado de realismo mágico y toques de fantasía que fundamentalmente habla acerca de la comunicación entre padres e hijos.

Sciamma dota de un toque minimalista a su puesta en escena pero tremendamente bello, especialmente en sus escenarios campestres, y  siendo muy evocador para el espectador. Hay buen gusto y distinción a la hora de rodar y pensar en cada plano. Algo que ya descubrí en su anterior película y que ahora repite.

Siento que la historia nos enfrenta a temas sobre los que nos cuesta hablar porque nos asustan. Y de cómo frente a esto se ve tan distinto desde la perspectiva de un adulto al ansia insaciable de querer saber de un niño. Se pretende romper esas barreras a través de la emotividad contenida.

 

La narración viene acompasada por un ritmo lento que se adecua a la perfección a ese tono intimista que se pretende imprimir.

La historia que se le ocurrió a la directora a través de un sueño, nos obliga a poner la mirada sobre la realidad, pero lo hace a través del imaginario de una niña. Como comenta en una entrevista utiliza elementos de aparición, a través de las sustituciones como recurso narrativo. Sin contar demasiado sobre esa parte más misteriosa de la trama, es algo que puedes ir entendiendo desde antes incluso que ocurra, no hay una pretensión de hacer un giro magistral en la película, no es lo que se pretende aquí. Es muy hábil mezclando varios géneros y haciendo que entre todos exista una cohesión con sentido y armoniosa.

En resumen, nos encontramos ante otra pieza indispensable, rompedora y cautivadora de Celine Sciamma que suma una nueva obra a esa colección que está creando del universo femenino cargado de sutileza y enfrentándonos especialmente a aquello sobre lo que apartamos la mirada. Belle y exquisita. Indispensable.

CODA, Sian Heder

 

CODA

Sian Heder

Drama

2021

 

 

 

SINOPSIS:

Ruby es el único miembro oyente de una familia de sordos. A sus 17 años, trabaja por la mañana con sus padres y su hermano en Gloucester, Massachusetts, antes de ir a clase. Ruby decide probar suerte en el coro de su instituto. Su entusiasta profesor ve algo especial en ella y la anima a que piense en la posibilidad de entrar en la escuela de música, algo que la obligaría a tener que tomar una decisión de cara a su futuro.

 

 

 

OPINIÓN PERSONAL:

Apurando las jornadas previas al gran día de la ceremonia anual de los Oscars en un visionado de última hora, pude disfrutar de esta propuesta ya ganadora del premio a Mejor Película 2021, remake de la original francesa de 2014.

Apenas sabía nada de su argumento más allá de que su protagonista era hija de padres y hermano sordos que descubre su verdadera vocación en la vida que no es otra que cantar.

Las películas donde sus protagonistas proceden de distintos ámbitos familiares cuya pasión es desarrollar su vida en una disciplina artística son numerosísimas. Lo que la distingue del resto es precisamente ese ámbito familiar del que hablaba antes y cómo esa circunstancia les afecta a todos y cada uno de los miembros de esa familia.

Algo que les llega a causar rechazo es que no entienden como puede ser que su pasión sea justo lo único que ellos no son capaces de percibir. Esto y que ella como la única integrante de la familia sin esa discapacidad en su terreno profesional la pesca, les es imprescindible contar con su ayuda.

 

Es muy fácil sentirte identificado con la protagonista aquí encarnada por una cautivadora Emilia Jones, se encuentra en plena edad adolescente donde anda en búsqueda de quien es, qué quiere y qué la define. Es el vínculo directo con el espectador. Hace fácil que entiendas su frustración entre el deber y lo que realmente quiere hacer. No deja de cuestionarse en cada momento si debe ser leal y pertenecer a su familia o dejarla y encontrar su propio lugar.

Jones me ha conquistado por completo sin tener consciencia de que la haya visto con anterioridad. Transmite cercanía, veracidad y un gran magnetismo con la cámara. Además de poseer una voz preciosa. Imposible de olvidar su interpretación de “Both sides now” de Joni Mitchell.

Un dato que desconocía es el significado del título CODA (Child of deaf adult), hijo de adultos sordos y que hace referencia directa a nuestra protagonista Ruby. Es el eje central de su familia y de la historia.

Uno de los grandes aciertos de esta propuesta es como trata el tema de la discapacidad auditiva, de una forma honesta, real y directa.

Los personajes están muy bien desarrollados de cada uno de los integrantes de la familia: especialmente el de Troy Kotsun, muy bien acompañado por (la reconocida y ya oscarizada) Marlee Matlin y su hijo interpretado por Daniel Durant. Cada uno d estos actores tienen sordera en la vida real, una diferencia con respecto a la cinta original de La familia Bélier y que supone todo un acierto con respecto a la integración que supone.

 

CODA es una historia sencilla sobre cómo lidiar con la vida y los problemas que conlleva pero además hay una subtrama sobre el barco pesquero mostrando como su discapacidad forma una barrera no solo con el resto de personas de la profesión sino con la propia ley. También hay un interés romántico de la protagonista pero no es especialmente importante, complementa pero no opaca, lo cual se agradece ya que no cae en ningún tópico de sensiblería que podría restar fuerza a la trama principal.

Hay una escena que resquebraja por dentro y es en la actuación del coro donde su familia va a ver a Ruby, pese a que no pueden hacer lo más importante: escucharla. En un momento el sonido desaparece y el espectador por primera vez durante todo el metraje,  se pone en su piel. El silencio es el protagonista y se hace real y patente el desconcierto ante los presentes que les rodean. No pueden percibir lo mismo ni poder emocionarse de igual manera y tienen que lidiar con ello.  

Es una película difícil de clasificar, es una mezcla de drama pero con buenas dosis de comedia muy bien ejecutadas, con un tono independiente pero sin dejar de pensar que está estructurada como cine familiar. No hay grandilocuencias técnicas ni planos rebuscados. Está filmada de forma sencilla con una puesta en escena natural y básica. Lo que buscan está más centrado a nivel emocional que en un plano técnico o artístico.

 

En resumen, estamos ante una propuesta de corte amable, dirigida al gran público, careciendo de pretenciosidad o tecnicismos en cuanto a términos cinematográficos se refiere. Quieren hablarnos de integración y de lucha pero con un cariz empático y amable. Es imposible no terminar su visionado con una sonrisa y emocionado y eso en estos tiempos es más que necesario. Recomendadísima.

WEST SIDE STORY, Steven Spielberg

 

WEST SIDE STORY

Steven Spielberg

Musical

2021

 

 

SINOPSIS:

Tony y María, a pesar de tener afiliaciones con pandillas callejeras rivales, los Jets y los Sharks, se enamoran en la ciudad de Nueva York en la década de los 50. Nueva versión del legendario musical 'West Side Story', a su vez adaptación de una famosa obra de teatro de Broadway.

 

 

 

OPINIÓN PERSONAL:

El musical no es el género al que más predispuesta estoy a ver cuándo decido sentarme a disfrutar de alguna pelicula, seguramente porque termino siendo persona de extremos y o bien acabo amándolas y deseando verlas una y otra vez o no logro entrar en su propuesta y acabo en el opuesto.

En este caso, la razón por la que finalmente he visto la película han sido dos: una para estar al día de todas las nominadas en los días previos a la carrera de los Oscars. Pero fundamentalmente iba a ver la película antes o después porque la ha dirigido Steven Spielberg. Simplemente con su nombre no me es necesario ni conocer el género ni reparto ni sobre qué versa la historia. No lo necesito, solo deseo ver su trabajo.

Nada más empezar, con ese inicio tienes la innegable sensación de que estás presenciando un cine trasladado a otra época. Y si bien durante el transcurso de la película la estética luce actual, hay un esmerado mimo en la puesta en escena, en el plano técnico para que nos traslade a un cine que ya no se hace. Y esto es toda una declaración de intenciones.

Recomiendo verla en v.o.s.e ya que se hace uso del spanglish haciendo más real la propuesta con respecto al clásico original. Fue un empeño del propio director y es uno de los aciertos de esta nueva adaptación.

Algo que por el contrario veo negativo es su excesiva duración. Son 156 min que terminan pesando en el espectador pese a que muchos sean centrados en momentos puramente musicales. Los números de bailes son espectaculares, en mi opinión brilla más la puesta visual tanto por el vestuario, la puesta en escena, la coreografía como el aspecto técnico de dirección que las propias canciones. Excepto las más conocidas del original protagonizado por Natalie Wood no hay ninguna que pueda reseñar especialmente. A quien tengo que destacar en esta labor es a la actriz que da replica al papel que en su momento encarnó Rita Moreno y es Ariana DeBose. Sus movimientos limpios, llenos de fuerza a la par que elegantes se mezclan con una cualidad que traspasa la pantalla y es que no puedes dejar de mirarla en cuanto está en escena pese a que no sea la protagonista. 

 

En esta oda de amor al cine clásico que lanza el director no ha faltado el mimo y cariño de mostrar algo distinto y ha sido el homenaje que hace a la propia Rita Moreno dándole un nuevo papel y otorgándole un número musical más íntimo pero emocionante por lo que significa su presencia en esta película.

Hay una clara reivindicación sobre el tratamiento y la vivencia de la propia violencia en nuestro día a día y como debe ser combatida no desde la propia violencia. También expone otro tema que desgraciadamente es tan actual como es la xenofobia. Ver como la anterior propuesta original de esta película fue estrenada en 1961 y ver como esta actualización es del año pasado y observar que las cosas no han cambiado como deberían. Es un debate que subyace más alla de esta representación musical basada en la obra de Romeo y Julieta de Shakespeare.

Lo más destacable es sin duda el trabajo de planificación previa que hace Spielberg. Se me antoja que ver esta película sin ningún tipo de sonido, solo observando cada plano, cada ángulo y disfrutar de la magnífica fotografía de Janusz Kaminski podría ser un gran y placentero espectáculo cinéfilo.

En resumen, una película de obligado visionado por llevar la rúbrica de quien la dirige más que por la razón por la que se actualiza un clásico del género musical. Es Spielberg y no se necesitan más motivos.

LA ABUELA, Paco Plaza

 

LA ABUELA

Paco Plaza

Terror

2021

 

 

SINOPSIS:

 

Susana tiene que dejar su vida en París, donde trabaja como modelo, para regresar a Madrid, debido a que su abuela Pilar acaba de sufrir un derrame cerebral. Años atrás, cuando los padres de Susana murieron, su abuela la crió como si fuese su propia hija. Susana necesita encontrar a alguien que cuide de Pilar, pero lo que deberían ser solo unos días con su abuela se acabarán convirtiendo en una terrorífica pesadilla.

 

 

OPINIÓN PERSONAL:

 

Paco Plaza ha logrado con su trayectoria crear expectación ante el anuncio de un nuevo proyecto suyo,  especialmente si se trata de su género fetiche y el que le encumbró como director: el terror.

Es imposible que su nombre no evoque a su primer gran éxito Rec, conjuntamente de la mano de Balaguero en 2007 y su posterior secuela. Personalmente me parece una genialidad lo que hizo con su tercera parte, ya en solitario en la dirección, y más recientemente nos regaló una de las mejores películas del género de los últimos años: Verónica. Justamente me ha parecido ver mucho de ella aquí. Es un director con un estilo y una marca ya reconocibles y aquí lo vuelve a demostrar.

Ya centrándonos en su nueva película, tengo que admitir que en su comienzo se haya su mayor debilidad y se encuentra justo en su escena inicial. Rodada de manera magistral y sin dejar de perturbar al espectador, le dará la suficiente información a éste para que sepa cómo va a desarrollarse la historia sin equivocarse en lo más mínimo. He llegado a pensar que se ha hecho adrede para que como espectadora, al ser consciente del recorrido fatal por el que va a padecer nuestra protagonista pueda jugarse como un elemento con el que puede dotar de una mayor angustia y tensión, aportándose como un plus a lo que sucede más allá de la pantalla. En mi caso precisamente esa carta no se ha jugado bien.

Le hace perder toda la fuerza a la intensidad que en ocasiones con que se desea sorprender y no sientes la opresión atmosférica que intenta recrear. Ha sido como ver el truco de magia al inicio del número y estar siguiéndolo con el convencimiento de saber cómo el mago lo ha ejecutado.

Es una historia de pocos personajes donde Almudena Amor que interpreta a la protagonista, se me ha antojado que no soportaba del todo la presión de ser quien llevase el peso de la narración, especialmente en muchos momentos donde el ritmo es más pausado y especialmente cuando quien es su interlocutora, su abuela, no procede a responder, es decir, a darle la réplica en dicha escena. Me ha faltado fuerza y determinación en su interpretación. Todo lo contrario que su compañera de rodaje. Vera Valdez que interpreta a su abuela, ofreciéndonos una interpretación tan valiente como espeluznante por momentos. Hay momentos en los que no deja de provocarte cierto malestar con solo una risa. Su toque decrépito y vampiresco ha sido todo un acierto. El para mi tercer personaje en discordia, es el propio escenario prácticamente de toda la película que es el piso de la abuela. Plaza aprovecha cada una de las estancias dotando a la puesta en escena de un toque sobrio y minimalista pero muy inquietante.

 

Hubo algo durante el visionado, un guiño demasiado evidente que no supe entender hasta que vi los títulos de crédito y vi quien firmaba el guión de esta película, no siendo otro que Carlos Vermut. Ya pude entender todo y al saberlo analizando la historia se nota su buen hacer en las labores de escritura.  Eso sí, está basado en una idea del propio Paco Plaza.

Otro apunte más, esta vez en cuando a la duración. A veces una historia no tiene por qué llegar a una hora determinada para ser contada. Si tiene que ser en menos de 90 minutos, no le veo el inconveniente. Aquí hay un contraste evidente entre una primera mitad donde además de la escena inicial y la presentación de la vida de la nieta como modelo en Paris y de cómo se establece para que alguien puede ejercer de cuidadora y poder volver a su vida, a la segunda mitad donde ya vemos el desarrollo del cuidado de la abuela en el piso.

El ritmo pausado es inherente a toda la película pero se acentúa más en esa segunda mitad., llegando a repetir algunas escenas que podrían ser innecesarias por la poca aportación que tienen a la trama y a reiteración en sí. A veces menos, es más.

Plaza es hábil reinventándose ya que no solo es una historia de terror, logra hacer una mezcla que cohesiona perfectamente con una confluencia del costumbrismo con elementos fantásticos y a los que aporta algo de crítica social desde un segundo plano, acerca del tratamiento y cuidado de las personas mayores, además de como apartamos la mirada ante la vejez. Nos hace muestra de esa decrepitud de una manera cruda pero con una firma muy elegante.

LA AEn resumen, una película de terror diferente, donde el espectador podrá encontrar un mayor deleite en cómo nos cuenta la historia que la finalidad de la misma en sí. Paco Plaza vuelve a reiterarse una vez más como un director con una propuesta y visión más que interesante al que seguir.

EUPHORIA, Especial #2

 

EUPHORIA (especial #2)

”Que se joda cualquiera que no sea una gota del mar”

HBO

Drama/Juvenil

2021

  

 

 

SINOPSIS:

 El segundo episodio especial de Euphoria sigue a Jules durante el período navideño mientras reflexiona sobre su año.

 

 

 

OPINIÓN PERSONAL:

Hablamos de un nuevo especial que sirve de complemento no solo a la primera temporada (y de puente a la segunda), sino al propio especial de Rue, ya que veremos una escena clave que tiene relación con ese episodio y donde podemos sacar la conclusión de que cronológicamente lo sitúa anterior al de Rue.

Al igual que lo hice en la reseña del primer especial, recomiendo ver ambos episodios antes de la segunda temporada. Aportan información extra, especialmente de la relación entre Rue y Jules y el devenir de esta en la siguiente temporada.

Este episodio no es tan rompedor como el anterior con lo que significa la propia serie en sí, en aspectos técnicos o narrativos, la historia centrada en la perspectiva de Jules se ajusta más a esa imagen de marca de la serie que a todos ha conquistado y la ha convertido en lo que es.

Si en el primer especial la narrativa se centraba en Rue y Ali, aquí lo hará en una sesión de Jules con su terapeuta.

En el transcurso del visionado me ha ido cambiando la perspectiva que tenía de su personaje. Apenas habíamos vislumbrado en la temporada anterior sobre el pasado de Jules, solo en la presentación al comienzo de los episodios a modo de corto para ilustrarnos de una manera rápida y amplia qué había marcado al personaje y lo hacía tal y como es. Durante todos los episodios siempre vi a Jules como alguien muy diferente al resto, un ser que irradiaba luz  y esperanza especialmente en comparación con el resto del reparto. Y aquí la encuentro más quebrada y reflexiva. En la primera temporada veía a su personaje queriendo tomar un camino de huida constante y aquí reposa la mirada atrás dejándonos ver que hay tras todo eso.

 

El episodio no se centra prácticamente en un solo escenario como en el de Rue, sino que hay un mayor número de personajes incluso momentos flashback que encajan cual pieza de un puzzle de la primera temporada como por ejemplo, cuando vuelve la madre de Jules y la vemos vestida de Julieta. Lo que nos hace rememorar rápidamente como una escena previa del episodio de Halloween y del que podemos llegar a comprender el por qué de su errático comportamiento aquella noche que no parecía tener sentido en aquel momento y que ahora encaja todo a la perfección.

También encontraremos un momento de ensoñación, al igual que en elanterior episodio con el inicio, pero aquí relacionado con el tiempo que estuvo fuera. Aunque es un tiempo sobre el que apenas se nos da información sobre qué hizo durante aquellos meses.

Hay un momento donde habla sobre lo que le supone la vida real, siendo una gran decepción y como le es más fácil tratar con la gente a través de internet, donde le permite ser más abierta y sincera aunque se sienta más vulnerable. Lo que nos hace pensar en su trama con Nate y como aun idealiza lo que tuvo con él.

 

“Las relaciones más profundas que he tenido son con gente que nunca he conocido”

 

Muy interesante la reafirmación de algo que ya reveló en un momento de la anterior temporada y es que construye su identidad y femineidad en torno a lo que desean los hombres, cuando además curiosamente le confiesa a la terapeuta que en el fondo no le interesan demasiado.

Además en torno a lo anterior, reflexiona como ha modelado “su cuerpo, su personalidad y su alma” en torno a lo que desean los hombres. Algo de lo que siente vergüenza y se llega a sentir un fraude.Toda esta reflexión me hizo recordar a otros personajes femeninos en la anterior temporada de como adecuan sus conductas y su aspecto en el mismo término.

Algo que hace esta serie distinta al resto es como aborda ciertos temas, tan abiertamente y de forma tan franca, aquí, Jules habla de su principal propósito de la terapia: quiere dejar las hormonas, revertir el proceso de transición. Hablar de la transexualidad de modo tan natural ya que para ella es un proceso espiritual. Solo quiere sentirse viva y es algo que es suyo y para ella misma.

También otro tema que aborda al respecto es el enjuiciamiento que siente sobre el nivel de jerarquía en la que encajas en las chicas. Es imposible no sentirse identificada en dicha reflexión. 

 

Si para mí en este episodio no se llega al nivel de genialidad y profundidad que en el anterior especial, sí que nos muestra una mayor profundidad de un personaje tan clave para la historia de la serie como para Rue. Y especialmente en la conexión entre ambas, ya que somos espectadores de como de rota queda la relación entre ambas. Antes lo sospechábamos y aquí lo terminamos confirmando. Solo nos queda esperar a que nos deparará la próxima entrega.